James Gunn vino al festival como jurado y a presentar su “Super”, película sobre un héroe cuya principal característica es el patetismo de sus acciones, pareciéndose mucho por lo tanto al ser humano común y corriente también en la ternura que esto genera cuando se trata de una persona “buena”. Esto entre comillas puesto que tal vez nuestro héroe esté teniendo brotes psicóticos. Gunn arma un guion plagado de hallazgos y encuentra en Rainn Wilson y Ellen Page a los intérpretes ideales.

“Himizu” es el segundo film de Sono Sion presente en el festival y un trabajo algo menor en la filmografía de un director afecto a los excesos pero para bien. En este caso propone una alocada reflexión sobre las relaciones entre padres e hijos situada justo después del tsunami que afectó Japón su tierra natal a principios de este año. Con ciertos logros que no alcanzan a redondear el filme Sono hace que al menos nos conmueva.

Dos de Rodolfo Kuhn. 1) “La hora de María y el pájaro de oro”. Extraño dentro de la filmografía de Kuhn y en el cine argentino en general, este trabajo que cuenta un caso de supersticiones y creencias folklóricas está realizado correctamente, evitando excesos tanto del elenco como de realización o efectos visuales. 2) “El señor Galindez”, adaptación de la obra homónima de Eduardo Pavlovsky que centra su historia en un dúo de matones que reciben la visita de un novato y ven modificada su rutina y logrando un film interesante y bien realizado.

De los premios podemos decir sólo que con una competencia internacional de la que extrañamente sólo nos tocó ver muy buenos filmes, uno de ellos, “Abrir puertas y ventanas” ganó dos de los galardones principales: mejor película y mejor dirección para Milagros Mumenthaler. Los otros premios fueron para “Tyrannosaur” (premio del jurado y mejor guion para Paddy Considine), “L’exercice de l’etat” (mejor actor, Olivier Gourmet) y “Without” (Joslyn Jensen, mejor actriz).

Hasta el año que viene.

Agnieszka Holland estrena “W ciemnosci” (“In darkness”), film basado en una historia real ocurrida durante la segunda guerra mundial. Leopold Socha es un personaje que conoce como la palma de su mano los desagües y cloacas subterráneas de la ciudad de Lvov, en Polonia. Leopold Socha ayudó a sobrevir allí a un grupo de judíos mientras en la superficie todo era muerte. Holland elabora una epopeya humana sin necesidad de subrayados o sentimentalismos logrando, sin embargo, emocionar con un filme de notoria calidad artística.

“Plaga Zombie Zona mutante Revolución tóxica” (Hernán Sáez y Pablo Parés) es la tercera entrega de la ya famosa saga comenzada hace quince años atrás y que parece llegar a su final según declaraciones de los mismos autores. En esta ocasión la aventura comienza con varias y disparatadas vueltas de tuerca para convertir a los zombies de las entregas anteriores en… extraterrestres. Sin estar a la altura de sus antecesoras, esta tercera parte cumple.

“Akadimia Platonos” (“Plato’s academy”) de Filippos Tsitos se convirtió en uno de los éxitos boca a boca del festival, al encarar en forma de comedia el tema de la xenofobia. La original forma de presentarlo, a través de la relación entre cuatro amigos y la madre de uno de ellos, engancha al espectador inmediatamente y no lo suelta hasta casi el final, en el que pierde algo de efectividad. Para amantes de lo políticamente incorrecto.

El chileno Sebastián Lelio ha realizado “El año del tigre”, película que tiene como fondo el terremoto y tsunami ocurrido en su país en 2010. Centrada en un convicto que escapa de la cárcel aprovechando el suceso al que la cámara sigue en todo su derrotero signado por la muerte. Lelio demuestra su habilidad para elaborar una historia con elementos reales y de actualidad entreteniendo, aunque tal vez no logra que su filme cobre alto vuelo.

“Kill list” de Ben Wheatley es un filme frío, pensado y calculado, tanto que su visión no mueve a empatía alguna ni a un interés excesivo por la trama. Un asesino a sueldo con vida familiar en crisis lleva adellante un encargo  que viene de las altas esferas de poder y su situación se verá cada vez más comprometida en varios sentidos. Así, con vueltas de tuerca que sorprenden hasta cierto punto, la historia se mantiene con algo de interés hasta el final.

Se viene la última entrada por este año desde Mar del Plata…

“Abrir puertas y ventanas” presenta a una nueva autora en el panorama del cine argentino, Milagros Mumenthaler. Mirando de cerca a tres adolescentes huérfanas, Mumenthaler consigue una sucesión de escenas marcadas por pequeños detalles de comportamiento y diálogos afilados que van dando una sensación de realismo que termina por adueñarse del film completo. La solidez de este debut en el largometraje de esta directora la convierte automáticamente en un personaje de reelevancia a nivel internacional.

Arturo Ripstein agrega uno más a su lista de notables melodramas con la desgarradora “Las razones del corazón”, adaptación libre de “Madame Bovary” de Flaubert por la siempre notable guionista Paz Alicia Garciadiego. La protagonista (acosada por deudas y tres hombres como en el original) pasa por situaciones extremas generadas por su propio carácter, mucho más tempestuoso que el del personaje de Flaubert. Acompañado por un excelente elenco el dúo Ripstein-Garciadiego conmueve con su poesía desbordada.

De Raymundo Gleyzer me toca ver “Los traidores”, un fresco de época (1973) que no a perdido nada de vigor ya que la corrupción sindical y política siguen en Argentina igual que en aquellos años. Ver hoy estas imágenes significa enterarse que en un país con esa calidad de individuos en puestos políticos nada se puede hacer. ¿Cómo cambiar algo si la perversidad y el cinismo siguen siendo moneda corriente en los más altos cargos? ¿Cómo hacerlo si a esto es a lo que ellos y los supuestos defensores del trabajador llaman política? No hay una respuesta, sólo una certeza: no a través de la violencia.

Para confirmar esta certeza basta con ver las consecuencias que esos violentos años dejaron en la sociedad en “Todo es ausencia” (1984) documental de otro autor argentino relevante de la época: Rodolfo Kuhn. En este caso este cumple la función de presentar a la sociedad española las consecuencias de la represión genocida de la dictadura argentina en los años setenta. Basándose en testimonios de los familiares de desaparecidos durante esa infame época que nunca debe volver a repetirse, Kuhn consigue informar y conmover al mismo tiempo.

Miranda July es la opción más importante del día con “The future”, su particular visión de la crisis de una pareja que se acerca a los cuarenta y a lo que consideran ni más ni menos sus últimos momentos de vida… July y Hamish Linklater son los intérpretes principales de esta segunda realización de la artista californiana que sin alcanzar la altura de su ópera prima, presenta un tema trillado de una manera original.

Una biografía del autor de manga para adultos Yoshihiro Tatsumi es la que propone Eric Khoo en “Tatsumi”, un original film animado que intercala historias de ficción de este personaje importante en la cultura japonesa. Khoo acierta con las historietas elegidas pero flaquea en los momentos en los que muestra la vida de Tatsumi, haciendo que el interés, sobre todo en la última parte del film, flaquee.

“Color perro que huye” de Andrés Duque es un documental que recoge imágenes y fragmentos de vida del propio director con cierta simpatía y apenas algo más. Perros, bailes, caídas, juguetes, ciudades, sexo, colores, gatos, pinturas, se suceden para conformar un filme que no disimula su inspiración en los videos que pululan sin ton ni son por internet ni la profesión de periodista del realizador.

“Penumbra” dirigida por Rodrigo y Adrián García Bogliano es una supuesta propuesta de suspenso y/o terror que no consigue convencer en ninguno de los dos géneros. Centrando en una joven que quiere vender una abandonada propiedad que cae en manos de una particular banda (¿de idiotas?) la historia, los realizadores construyen diálogos imposibles y situaciones increíbles que sólo logran algún efecto en la actuación de “Berta” Muñiz.

“Beyond the black rainbow” de Panos Cosmatos resultó una ridiculez de tamañas proporciones que mezcla mentalismo, drogas y un logrado look ochentero -impuesto por las saturadas luces y los omnipresentes efectos de sonido- que es lo único medianamente rescatable de un filme que se pretende de suspenso psicológico y que logró risotadas y un éxodo paulatino pero constante durante el transcurso de la larga función.

De ahora en adelante y ya en la última parte de ésta edición del que increíblemente es el segundo en importancia de Argentina, la pregunta sería si lo elegido alcanzará para aunque sea entretener algunas horas del día.

En “Terri”, cuarto largometraje de Azazel Jacobs, el personaje del título es un chico de gran contextura que no se encuentra cómodo con la ropa usual y vive con un tío con una enfermedad que parecciera ser la de Alzheimer. Sus relaciones con el último, sus compañeros de colegio y el director del mismo ocupan el centro de un filme lleno de logrados momentos de un humor incómodo y amable, al mismo tiempo que lleva a interesarse por el futuro del realizador.

“El verdugo” es uno de los clásicos de un Luis García Berlanga que sigue sin atrapar del todo mi atención aunque se reconozca su modo particular de encarar la comedia. En este caso la historia lleva a un funebrero a involucrarse con la hija de su mayor proveedor, el verdugo local. La sátira mantiene su interés aunque nunca llega a la brillantez con un elenco encabezado por el archiconocido Nino Manfredi.

El también actor y artísta plástico Bouli Lanners presenta “Les géants”, una particular comedia sobre tres preadolescentes, dos de ellos hermanos entre sí, que vivirán aventuras mucho más graciosas y arriesgadas que aquellos de la sobrevalorada película de culto entre los adoradores de la cultura USA “Stand by me” (“Cuenta conmigo”). Este trío de huérfanos -con familiares directos lejanos o ausentes- harán de la torpeza y el impulso propio de la edad un divertimento cuidado además en sus rubros técnicos.

Lars Von Trier está estrenando mundialmente y en este festival su último filme, “Melancholia”, un drama profundo que pierde espesor e intensidad en su segunda parte. Esta vez la protagonista es la muy particular Justine (Kirsten Dunst), que se acaba de casar pese a carecer de verdadero interés en ello. Con el dato agregado del planeta del título que se acerca peligrosamente a la Tierra, Von Trier construye su particular melodrama familiar y un título menor dentro de su filmografía.

Para el final el maestro Alexander Sokurov trae “Faust”, su adaptación del clásico de Goethe para cerrar su tetralogía dedicada al poder compuesta además por “Molokh”, “Telets” y “Solntse”. Siendo esta la primera no dedicada a un personaje real, Sokurov logra actualizar el libro de Goethe que con los años ha perdido parte de su vigor llevándonos por un viaje a lo más profundo de las miserias humanas siempre con su elegante y reconocido estilo compuesto de fantásticos escenarios reales e imágenes irreales.

Antes del fin de semana estaré de nuevo por acá. Los espero.

Una rareza de Lina Wertmüller (codirigida con Piero Cristofani) cuya única copia parece estar en manos de un  coleccionista argentino, “Il mio corpo por un poker” resulta un western para tener muy en cuenta en la historia del género. Una mujer es la recia protagonista de esta historia de traiciones y amores entre bandidos del oeste casi olvidada hoy en día.

Sono Sion tiene dos títulos en la grilla y el primero que tocó ver fue “Koi no tsumi” (“Guilty of romance”), una propuesta que no defrauda ya que posee los excesos acostumbrados de Sono aunque tal vez con un poco menos de lirismo. Con buenas actuaciones y cuidada fotografía el realizador brinda una historia que bien podría definirse como una versión pop de “Belle de jour”.

En “Arirang” el momentáneamente retirado Kim Ki-duk (luego de este film ya realizó “Amen”), reflexiona sobre el por qué de ese retiro -motivado por dos hechos puntuales- que lo llevó a estar lejos de la cámara y del mundo. De un inicio sin diálogo alguno a un monólogo que ocupa la mayor parte del extenso metraje, el film merma por ello un tanto su interés.

Mientras tanto, Jafar Panahi pasa por una situación similar pero obligado por la política autoritaria y déspota de su país (Irán) y junto con su colaborador Mojtaba Mirtahmasb realiza “In film nist” (“This is not a film”). Panahi hace que su film dure menos que el de Kim y eso ayuda a que su relato personal -compuesto sobre todo de varios “ensayos” o descripciones de guiones no realizados- resulte más interesante animado e inteligente, con una relativamente larga secuencia final que es todo un hallazgo.

Seguimos en la próxima entrada con lo visto en estos días.

Doris Dörrie cuenta en “Die friseuse” la historia real de una peluquera (o estilista, como se supone que habría que llamarla según la moda) que a pesar de su mala suerte mantiene una energía optimista realista y casi se diría contagiosa. La talentosa directora alemana sabe sin dudas como filmar y mantener el interés en una historia y es lo que hace aquí sin mayores esfuerzos imponiendo un tono favorable y colorido al conjunto.

El cine rumano sigue destacándose en este caso con “Medalia de onoare” de Calin Peter Netzer, una buena comedia dramática que hace reflexionar acerca del trato que una nación -que en este caso es Rumania pero podría ser cualquiera– le da a sus ciudadanos. Así vemos que hay premios del gobierno otorgados por pura burocracia y otros que son rechazados por quienes los merecerían. Como si esto fuera poco no queda duda que quienes fueron casi obligados a quedarse en el país, eligieron la que parece, sin embargo, la mejor opción, irse. Filme correctamente realizado y de logradas actuaciones.

En “Shinboru”, el japonés Hitoshi Matsumoto mezcla el cómic con el realismo latinoamericano y sale màs o menos indemne de tan arriesgado experimento. Mientras una línea argumental muestra a un hombre sin poder salir de una extraña situación, la otra sigue a un luchador mexicano que se encamina hacia su pelea diaria. Se podría decir que el director seguramente conoce a Buñuel y que se basó en una de sus obras maestras para convertirla en una irregular mezcla pop. Tal vez estemos en lo cierto.

En la simpática comedia canadiense “Ivory tower” hecha por músicos detrás (Adam Traynor, el director, es parte de un grupo musical) y delante de la cámara, la cosa va de enfrentamiento entre hermenos con caracteres opuestos en el campo que ambos conocen bien, el ajedrez. Como es de sospechar el tempo musical tendrá que ver con el desarrollo de la historia y la película conseguirá así risas y entretenimiento.

Ya no queda más que decirles hasta la próxima y gracias por seguirnos. Nos leemos como siempre en Lente Creativo y Las Últimas Películas.

PD: Para el final nos guardamos la opinión sobre el mejor filme visto durante el festival: “Kak ya provyol etim letom” del ruso Aleksei Popogrebsky que comento aquí.

Y días de, por supuesto y como habrán notado, cine.

De los premios principales decir que es demasiado lo que se está alabando el nuevo trabajo del igualmente destacable Jerzy Skolimowski, “Essential killing”, que ya ha ganado reconocimento de crítica y jurados en otros certámenes y aquí se vuelve a repetir con los galardones a mejor película y mejor actor para Vincent Gallo.

Mejor director (Aleksei Fedorchenko) y mejor guión (Denis Osokin) fueron para la bella, pero impostada “Ovsyanki” (“Silent souls”) y el de mejor actriz fue ex – aequo para Mirela Oprisor y Maria Popistasu por “Tuesday, after christmas”. El premio especial del jurado fue para otro maestro que presentó un trabajo menor, Otar Iosseliani y su “Chantrapas”.

Entre los premiados por los demás jurados aparecen largometrajes como “White, white, world” de Oleg Novkovic, “Aballay, el hombre sin miedo” de Fernando Spiner, “Octubre” de Daniel Y Diego Vega, “Amor en tránsito” de Lucas Blanco, “Pompeya” de Tamae Garateguy, “El camino del vino” de Nicolás Carreras y “Un rey para la Patagonia” de Lucas Turturro y entre los cortos “Efecto dominó” de Gabriel Gauchet “Todos tienen algo que ocultar excepto yo” de Iván Vescovoy “Los caminos que esperan” de Adrián Suárez.

No se vayan que todavía faltan algunos filmes que les comentaremos mañana, ya desde Buenos Aires…

“Tournée” es el nuevo trabajo como realizador de Mathieu Amalric, que también actúa en esta descripción casi documental de una gira de las artistas del llamado New Burlesque. Las chicas demuestran ser todas verdaderas profesionales y montan números que llaman la atención e invitan a mirar sin dudarlo. Las hay de casi todos los tamaños y ya no son ningunas nenas pero se las ingenian bastante bien en lo suyo y Amalric las muestra en un filme que no recarga las tintas y está bien pensado.

Gregg Araki estrena este año “Kaboom”, su último delirio lisérgico llevado al paroxismo narrativo que derrocha energía adolescente. Es la historia de un chico (Thomas Dekker en un papel que le va pintado) que va descubriendo que alrededor suyo hay varios misterios escondidos que podrían terminar en algo grave. Araki se juega a fondo y terminamos echando en falta un pequeño freno que tal vez lo hubiese llevado a hacer una película más redonda. No obstante se puede ver.

Completando los cortos de Hal Hartley vemos los que comprenden su producción de 2008 hasta la actualidad, con un acercamiento a una etapa especial en la vida de su mujer y musa Miho Nikaido en “Adventure”; el proceso de montaje de una ópera por él mismo en “Implied harmonies”; el pequeño recuerdo de una copia pirata en “Accomplice” y dos ficciones, una basada en un particular y reconocible personaje que busca un protagónico en el cine y otra basada en el préstamo de un departamento para ensayo de textos teatrales con cierto aire Straub-Huillet.

Cinco opciones válidas para terminar de revisionar el trabajo de Hartley. Por ahora.

De los premios y otras cosas hablamos mañana. Y el lunes todos los filmes vistos a último momento…

“Submarino” de Thomas Vinterberg se convirtió así en una de las sorpresas del día. El danés hace gala en su último trabajo de madurez detrás de cámara tanto en la dirección como en la coautoría del guión. Contando la historia de dos hermanos condenados a vivir vidas marginales basada en la novela de Jonas T. Bengtsson, Vinterberg llama la atención con buen cine, destacable en rubros técnicos y artísticos.

Volvimos además a Hal Hartley -que hoy dio una contenida a la vez que entretenida charla en esta ciudad- con su largometraje “Surviving desire” (1991), una comedia centrada en una pequeña historia de atracción profesor-alumna, que con diálogos ágiles, entrecortados y repletos de citas literarias hacen añorar los tiempos en los que la ironía se imponía sobre la simple estupidez en el cine de comedia estadounidense.

De Hartley se suman otros dos cortometrajes de Hartley a los ya vistos, ambos dirigidos como el filme anterior en el ’91: “Ambition” y “Theory of achievement”. En el primero el realizador hace un notable trabajo describiendo la palabra del título tomada desde el lado de la superación personal y no desde el económico. En el segundo muestra un fragmento de la vida de desorientados -en todo sentido- jóvenes universitarios con sensibilidad de la época.

Para el final, Isaki Lacuesta realizó un paseo por la vida de Ava Gardner en España en el documental “La noche que no acaba”, un logrado retrato de la estrella hollywoodense realizado sobre todo con fragmentos de imagen y sonido de sus filmes y entrevistas realizadas desde Lucía Bosé hasta el mozo que sirvió una de sus mesas. Como se sobrentenderá este recordable filme contiene imperdibles anécdotas e incluye una muy graciosa sobre el ex presidente argentino Juan Perón y la sensual estrella.

En próximos comentarios y ya en los últimos días del festival, los últimos trabajos de Sylvain Chomet, Gregg Araki, Doris Dörrie y otros…